Mot clé : Conférences

Dans le cadre du cycle de conférences « Danse contemporaine / Panorama en six vues » initié par Rémy Héritier.

Générer.

«La danse ce n’est pas du mouvement, c’est cette partition, cette passerelle immatérielle entre chorégraphe et interprète. »

Dans le cadre du cycle de conférence « Je ne suis pas féministe mais »

Pauline Simon est chorégraphe, performer, et chercheuse.

En 2018, elle prépare un master 2 à L’EHESS de Paris en section arts et langages.

«Nous commencerons par une conférence autour de l’histoire de la contraception masculine en France, et des problèmes qu’elle pose à l’institution et à la recherche médicale. Je proposerai ensuite de partager différentes approches du travail polymorphe que je mène autour de ce sujet : approche théorique à l’EHESS, pédagogique et militante, (planning familiaux, piratages en tous genres) et artistique (début de l’élaboration d’une performance). J’exposerai comment ces approches me permettent de faire se croiser des questions de genre, de langage, de législation, et de représentation omniprésentes dans le processus de travail, comment elles  m’amènent à inventer des modes de production/diffusion spécifiques, et une destination qui outrepasse le contexte de musée, ou d’un théâtre. »

Mardi 23 octobre à 18h30

Dans le cadre du cycle de conférence « Je ne suis pas féministe mais », initié par Sophie Lapalu.

Emilie Renard est directrice de La Galerie, centre d’art contemporain de Noisy-le-Sec, curatrice et critique d’art.

«[C]omme le souligne l’historienne féministe Griselda Pollock, il nous faut « des artistes femmes à aimer et dont nous avons besoin pour trouver un espace et une identification culturelle pour nous-mêmes, une façon de nous exprimer — afin de produire une alternative aux systèmes actuels qui instrumentalisent la différence sexuelle pour en faire une négation de notre humanité, de notre créativité et de notre sécurité ».

C’est important que les étudiantes en art d’aujourd’hui sachent qu’on peut être une femme et être artiste. Pour l’instant, ces modèles ne sont toujours pas évidents. Pour certaines, « faire carrière » implique des choix personnels qui ne sont pas demandés aux hommes et cela reste un frein pour beaucoup. Il faut donc continuer à lutter pour que plus de femmes accèdent à la visibilité, pour qu’elles se sentent moins entravées que les hommes.

Mais on ne peut pas se limiter à cette approche « quantitative » de la représentation qui est largement celle d’un féminisme à tendance réactionnaire. Marine Le Pen ne se dit-elle pas féministe, dans une certaine mesure ? Si elle est élue, on pourra dire d’elle qu’elle est la première femme présidente de la République : on voit donc la limite de cette approche ! Nos luttes ne concernent pas uniquement la représentation. Si l’on veut améliorer la situation d’un milieu de l’art qui reste largement un white boys’ club (et donc si éloigné du monde), il faut aussi opérer un changement de méthode dans la façon dont nous travaillons, dont nous nous adressons les un·e·s aux autres, dont nous concevons nos programmes. Être féministes, ce n’est pas juste compter le nombre de femmes présentes ici ou là, c’est aussi remettre en cause les relations de pouvoir qui sous-tendent nos modes de fonctionnement personnels et professionnels, toujours largement basés sur des idéologies de la différence, qu’elle soit sexuelle, raciale ou ayant trait à la validité physique et mentale. C’est ce qui nous permettra de faire en sorte de vivre dans un monde qui nous ressemble.»

Emilie Renard et Isabelle Alfonsi, «Le yoga des institutions» Interview par Patrice Joly, Zerodeux, [https://www.zerodeux.fr/interviews/le-yoga-des-institutions/]

 

Prochaines conférences du cycle « Je ne suis pas féministe mais » :

Pauline Simon ≥ lundi 5 novembre à 18h30

Adiaratou Diarrassouba ≥ lundi 3 décembre à 18h30

Rassira Hedjerassi ≥ lundi 10 décembre à 18h 30

Lundi 22 octobre 2018 à 18h30

« Artiste où chercheur »

Dans le cadre du cycle de conférences Danse contemporaine / panorama en six vues initié par Rémy Héritier.

«Rentrée 2018, alors que je suis danseur et chorégraphe de formation je me décide à m’inscrire en thèse dite de création, et vois apparaître dès mon dossier d’inscription un miroitement : le vocabulaire de la sensation théorique vibre. Le « processus » dit chorégraphique s’éblouit maintenant dans la  « méthodologie » de la recherche, la « dramaturgie » se compose sous forme de « plan », le « plateau » de la scène de danse se fait « page ».

La formulation « artiste où chercheur »  que je nous propose d’interroger ensemble sous la forme d’une conférence performée est au plus proche de mon actualité d’artiste : comprendre comment je deviens chercheur parce que je suis un artiste qui (re)cherche à comprendre comment la dimension de la recherche est intrinsèque à ses pratiques artistiques…»

Laurent Pichaud est chorégraphe et interprète, directeur artistique des projets x-sud art/site, et artiste chercheur associé au département Danse de l’université Paris 8, après avoir participé à l’élaboration et au suivi du master exerce – études chorégraphiques «Recherche et représentation» de l’IcI-ccn Montpellier – université Paul-Valéry).

À l’intérieur de ses créations et recherches, il privilégie les questionnements sur l’inscription d’un geste chorégraphique dans des champs non spécifiquement artistiques ou théâtraux – pratiques in situ, pièces à dimension territoriale auprès d’habitants –, ou encore son compagnonnage avec la chorégraphe américaine Deborah Hay – auprès de laquelle il est tour à tour interprète, assistant, co-chorégraphe, puis plus récemment traducteur –, qui lui permet d’observer comment une écriture textuelle se déploie comme outil de documentation et de transmission du geste dansé.

En 2018, en résonance à son propre travail de chorégraphe et comme nouvelle étape de ce compagnonnage, Laurent Pichaud débute une thèse de création à l’université Paris 8 sur le sujet : Faire de l’in situ dans l’œuvre d’une autre artiste, Laurent Pichaud – Deborah Hay.

Prochaine conférence :

≥ lundi 29 octobre à 18h30  ; Lenio KAKLEA

≥ lundi 12 novembre à 18h30 ; Myriam GOURFINK

≥ lundi 21 janvier à 18h30 ; Loïc TOUZÉ

≥ lundi 28 janvier à 18h30 ; Nina SANTES

≥ lundi 11 février à 18h30 ; Lou FORSTER

 

Dans le cadre du Cycle de conférences Danse contemporaine / Panorama en six vues

Conférence « La nudité en scène », par Annie Suquet

Dans le cadre du Cycle de conférence danse contemporaine, Panorama en six vues

Plus qu’habituelle sur les scènes chorégraphiques contemporaines, la nudité est loin d’être une préoccupation récente dans le champ de la danse. Donner à voir son corps en mouvement nu, ou même seulement partiellement dénudé, n’a cependant jamais été anodin. Tantôt positivement connotée, tantôt perçue comme dangereuse, la nudité du corps dansant se prête à toutes sortes de projections fantasmatiques, de constructions idéologiques… Dans cette conférence, nous explorons quelques-uns des imaginaires très différents qui ont porté cette préoccupation, du début du XXe siècle aux années 1960.

Historienne de la danse, Annie Suquet est notamment l’auteur de L’éveil des modernités : une histoire culturelle de la danse (1870-1945) (éditions du Centre national de la danse, 2012) ; Le
corps dansant : un laboratoire de la perception, in Histoire du corps, tome III (éditions du Seuil, 2006) et Merce Cunningham, chorégraphier pour la caméra. Conversation avec Annie Suquet et Jean Pomarès (éditions de l’Oeil d’or, 2013).

« Subvertir l’exposition »

Mathieu Copeland (né en 1977, vit à Londres) cultive une pratique curatoriale cherchant à subvertir le rôle traditionnel des expositions et à en renouveler nos perceptions. Il a notamment été co-commissaire de l’exposition «Vides, une rétrospective » au Centre Pompidou à Paris en 2009 et à la Kunsthalle de Berne et a récemment édité « The Anti Museum », co-publié par Koenig Books en 2017.

Il a été commissaire invité du Musée du Jeu de Paume, Paris (2013-2014) et, avec Philippe Decrauzat, commissaire invité du Plateau – FRAC Ile-de-France Paris (2014-2015).

Il exposera ses méthodes de travail au travers de ses expositions.

Dans le cadre du cycle de conférences Danse contemporaine / Panorama en six vues

Didier Champion et Eric Champion sont danseurs, musiciens, collecteurs, et pédagogues. Ils sont créateurs du Gamounet -les maisons des cultures de pays- à Saint-Bonnet près Riom, et de la dynamique actuelle de ce lieu de danses et musiques traditionnelles, aujourd’hui devenu le Centre Départemental des Musiques et Danses Traditionnelles Puy de Dôme (CDMDT63). Les frères Champion transmettent la bourrée, l’ont collectée et ont participé aux réflexions menées dans le milieu des danses traditionnelles en France depuis longtemps.

Joëlle Vellet est danseuse, chercheure, pédagogue. Elle est Maître de conférences en danse à l’Université Côte d’Azur, au département des Arts/section Danse, à Nice. Ses recherches sur les processus de transmission du geste en danse contemporaine, l’ont toutefois amenée à s’intéresser à la transmission actuelle de gestes de la tradition et tout particulièrement de la bourrée d’Auvergne : ce que le temps fait à la danse, ce que l’artiste fait à cette danse dite traditionnelle.

Leur rencontre à tous les trois et les différentes étapes d’observation, d’analyse, de partage et de collaboration, menées depuis plus de dix ans, leur permettent à présent de proposer d’aborder ensemble «la bourrée comme une histoire de passages, entre permanence et variation, entre altération et invention». Ils se proposent dans cette conférence de vous faire découvrir la bourrée et ses danseurs, et d’éclairer singulièrement les pratiques de cette danse d’aujourd’hui, inscrite dans le temps.

Dans le cadre du cycle de conférences Danse contemporaine / panorama en six vues 

«J’essaierai de montrer, à partir de Droite-Gauche, pièce dite de «théâtre documentaire» tout juste terminée (création à Théâtre de la Joliette, Marseille, 2 février 2018), comment le travail scénique que j’entreprends est chaque fois une tentative d’examiner à la fois les conditions historiques d’existence dans lesquelles nous sommes pris et les possibilités d’irruption d’un changement, d’un virage, d’un événement. Ce que nous tentons d’examiner plus précisément dans Droite-Gauche, ce sont les ressorts généalogiques, biographiques, sociaux de nos trajectoires politiques. J’essaierai de dégager les principes ou intuitions chorégraphiques qui président à l’écriture et au montage des corps, des textes, des images et des sons présents sur scène.»

Les projets qu’entreprend Sandra Iché s’intéressent aux perspectives historiques dans lesquelles s’inscrivent notre présent et les représentations que nous en avons, les dynamiques géographiques, temporelles, sociales, conceptuelles, qui les dessinent. En associant des «énoncés scientifiques» élaborés avec des collaborateurs historiens, sociologues, philosophes, et des «énoncés d’expériences» élaborés par chacune des personnes impliquées ou convoquées dans les projets, il s’agit de documenter par différentes «méthodes» les infimes mouvements de nos choix, de nos mémoires, de nos gestes, sans les arrêter, sans les fixer. Manière chaque fois de ruser contre les procédés morbides de naturalisation du réel.

Sandra Iché mène ses activités artistiques à travers l’association Wagons libres, questionnant les modalités de «fabrication» de l’Histoire, de sa mise en récit (Wagons libres (spectacle vivant), création 2012 ; Variations orientalistes (spectacle vivant, co-écrit avec Renaud Golo, Mary Chebbah, Vincent Weber, Pascale Schaer), création 2014 ; Ellipses : entretien avec Omar Amiralay (installation vidéo), création 2016 ; Droite-Gauche (spectacle vivant), création 2018). Elle a été danseuse-interprète pour les chorégraphes Maguy Marin et Rémy Héritier principalement. En 2013, elle est lauréate du programme « Hors les murs» de l’Institut français pour mener un projet de laboratoire théâtral intitulé Vestiges et présages, en collaboration avec le collectif Zoukak (Beyrouth, Liban). Sandra Iché a reçu le prix du Nouveau Talent Chorégraphie 2016 de la SACD. Elle vit entre Beyrouth, où elle co-fonde Mansion, maison collective d’artistes, chercheurs, activistes, et Lyon, où elle est membre fondatrice de LIEUES, espace expérimental de recherche et de création artistique et de rodéo, revue pluridisciplinaire, plateforme de rencontres entre pratiques académiques et artistiques. Depuis février 2018, elle est résidente dans le Pôle Art et Recherche de l’IMERA à Marseille.