Conférence Émilie Renard

Mardi 23 octobre à 18h30

Dans le cadre du cycle de conférence « Je ne suis pas féministe mais », initié par Sophie Lapalu.

Emilie Renard est directrice de La Galerie, centre d’art contemporain de Noisy-le-Sec, curatrice et critique d’art.

«[C]omme le souligne l’historienne féministe Griselda Pollock, il nous faut « des artistes femmes à aimer et dont nous avons besoin pour trouver un espace et une identification culturelle pour nous-mêmes, une façon de nous exprimer — afin de produire une alternative aux systèmes actuels qui instrumentalisent la différence sexuelle pour en faire une négation de notre humanité, de notre créativité et de notre sécurité ».

C’est important que les étudiantes en art d’aujourd’hui sachent qu’on peut être une femme et être artiste. Pour l’instant, ces modèles ne sont toujours pas évidents. Pour certaines, « faire carrière » implique des choix personnels qui ne sont pas demandés aux hommes et cela reste un frein pour beaucoup. Il faut donc continuer à lutter pour que plus de femmes accèdent à la visibilité, pour qu’elles se sentent moins entravées que les hommes.

Mais on ne peut pas se limiter à cette approche « quantitative » de la représentation qui est largement celle d’un féminisme à tendance réactionnaire. Marine Le Pen ne se dit-elle pas féministe, dans une certaine mesure ? Si elle est élue, on pourra dire d’elle qu’elle est la première femme présidente de la République : on voit donc la limite de cette approche ! Nos luttes ne concernent pas uniquement la représentation. Si l’on veut améliorer la situation d’un milieu de l’art qui reste largement un white boys’ club (et donc si éloigné du monde), il faut aussi opérer un changement de méthode dans la façon dont nous travaillons, dont nous nous adressons les un·e·s aux autres, dont nous concevons nos programmes. Être féministes, ce n’est pas juste compter le nombre de femmes présentes ici ou là, c’est aussi remettre en cause les relations de pouvoir qui sous-tendent nos modes de fonctionnement personnels et professionnels, toujours largement basés sur des idéologies de la différence, qu’elle soit sexuelle, raciale ou ayant trait à la validité physique et mentale. C’est ce qui nous permettra de faire en sorte de vivre dans un monde qui nous ressemble.»

Emilie Renard et Isabelle Alfonsi, «Le yoga des institutions» Interview par Patrice Joly, Zerodeux, [https://www.zerodeux.fr/interviews/le-yoga-des-institutions/]

 

Prochaines conférences du cycle « Je ne suis pas féministe mais » :

Pauline Simon ≥ lundi 5 novembre à 18h30

Adiaratou Diarrassouba ≥ lundi 3 décembre à 18h30

Rassira Hedjerassi ≥ lundi 10 décembre à 18h 30

Conférence Laurent Pichaud

Lundi 22 octobre 2018 à 18h30

« Artiste  chercheur »

Dans le cadre du cycle de conférences Danse contemporaine / panorama en six vues initié par Rémy Héritier.

«Rentrée 2018, alors que je suis danseur et chorégraphe de formation je me décide à m’inscrire en thèse dite de création, et vois apparaître dès mon dossier d’inscription un miroitement : le vocabulaire de la sensation théorique vibre. Le « processus » dit chorégraphique s’éblouit maintenant dans la  « méthodologie » de la recherche, la « dramaturgie » se compose sous forme de « plan », le « plateau » de la scène de danse se fait « page ».

La formulation « artiste où chercheur »  que je nous propose d’interroger ensemble sous la forme d’une conférence performée est au plus proche de mon actualité d’artiste : comprendre comment je deviens chercheur parce que je suis un artiste qui (re)cherche à comprendre comment la dimension de la recherche est intrinsèque à ses pratiques artistiques…»

Laurent Pichaud est chorégraphe et interprète, directeur artistique des projets x-sud art/site, et artiste chercheur associé au département Danse de l’université Paris 8, après avoir participé à l’élaboration et au suivi du master exerce – études chorégraphiques «Recherche et représentation» de l’IcI-ccn Montpellier – université Paul-Valéry).

À l’intérieur de ses créations et recherches, il privilégie les questionnements sur l’inscription d’un geste chorégraphique dans des champs non spécifiquement artistiques ou théâtraux – pratiques in situ, pièces à dimension territoriale auprès d’habitants –, ou encore son compagnonnage avec la chorégraphe américaine Deborah Hay – auprès de laquelle il est tour à tour interprète, assistant, co-chorégraphe, puis plus récemment traducteur –, qui lui permet d’observer comment une écriture textuelle se déploie comme outil de documentation et de transmission du geste dansé.

En 2018, en résonance à son propre travail de chorégraphe et comme nouvelle étape de ce compagnonnage, Laurent Pichaud débute une thèse de création à l’université Paris 8 sur le sujet : Faire de l’in situ dans l’œuvre d’une autre artiste, Laurent Pichaud – Deborah Hay.

Prochaine conférence :

≥ lundi 29 octobre à 18h30  ; Lenio KAKLEA

≥ lundi 12 novembre à 18h30 ; Myriam GOURFINK

≥ lundi 21 janvier à 18h30 ; Loïc TOUZÉ

≥ lundi 28 janvier à 18h30 ; Nina SANTES

≥ lundi 11 février à 18h30 ; Lou FORSTER

 

Conférence Jean Bonichon « Rien d’impossible »

Jean Bonichon est un artiste français né en 1973 à Montluçon. Tour à tour, jongleur de rue, ébéniste, ferronnier d’art, membre de collectifs alternatifs ou encore chevrier/fromager, il obtient son diplôme à l’École des Beaux Arts de Clermont-Ferrand en 2010.

La même année, il s’installe à Nantes où il est désigné lauréat du Prix des Arts Visuels de la Ville. Depuis, totalement engagé dans le champs de l’art contemporain, il présente des expositions et est invité dans des résidences d’artistes en France comme à l’étranger. Son travail est présent dans différentes collections publiques comme le Frac Limousin ou l’Artothèque de Caen.

En 2014, il compose entrée en matière, un parcours d’art contemporain mis en place à Chambon- sur-Voueize (en Creuse, sa région d’origine).

L’été 2016 est inauguré petits Voyages Extraordinaires, une œuvre pérenne de sept pièces colonisant le mini-golf du Camping Municipal de Nantes, en collaboration avec Le Voyage à Nantes.

Jean Bonichon est un artiste dont la pratique protéïforme touche aussi bien la sculpture, l’installation, la scénographie, la vidéo, la photographie, la performance, le dessin que l’écriture/langage. Il joue des médiums pour proposer des œuvres combinatoires sous le mode du décalé, de l’absurde, de l’association incongrue, de l’humour souvent grinçant, le tout nourri d’une forte charge poétique.

« … ou comment laisser entrer l’impromptu dans l’espace contraint de l’atelier.
Ici, l’œuvre nie n’est que prétexte aux pérégrinations d’un esprit libre face aux lois conventionnelles de la construction ; l’action n’est pas réduite à la simple fabrication mais elle s’invite et s’immisce dans chacune des étapes de la création. Dès lors, il faut considérer le façonnage comme un potentiel, croire que les lois de la mécanique se plieront à l’intuition ; et se forment des micro-cosmogonies de manufacture. … »

Jean Bonichon, Extrait du texte Chaosmos, Revue Planète Jules Verne #5, Éditions Coi ard, 2017

Conférence Julien Prévieux

Dans le cadre du Cycle de conférences Danse contemporaine / Panorama en six vues

Julien Prévieux est un artiste français né à Grenoble en 1974. L’économie, la politique, les technologies de pointe, l’industrie culturelle sont autant de « mondes » dans lesquels s’immisce la pratique artistique de Julien Prévieux.

A l’instar de ses Lettres de non-motivation qu’il a adressées à des employeurs pendant 7 ans en réponse à des annonces consultées dans la presse, détaillant les motivations qui le poussent à ne pas postuler. Entre humour absurde et tentative de révolte, les stratégies qu’il développe s’appliquent à décrypter notre monde tout en le déréglant. Ses œuvres s’approprient les mécanismes des secteurs d’activité qu’elles investissent pour mieux en mettre à jour les dogmes et les dérives.

Son travail est régulièrement exposé dans des centres d’art, galeries et musées en France et à l’étranger. Il a réalisé un certain nombre d’expositions personnelles présentées, entre autres, au RISD Museum of Art de Providence, au Centre Pompidou à Pa- ris, au Frac Basse-Normandie ou à la Blackwood Gallery à Toronto. Il a participé à de multiples expositions collectives au Red Brick Art Museum à Pékin, à la Haus der Kulturen der Welt à Berlin, à DiverseWorks à Houston, à la Biennale de Lyon en 2015 ou encore à la 10ème Biennale d’Istanbul.

Il a reçu le Prix Marcel Duchamp en 2014. Il a publié les Lettres de non-motivation aux éditions Zones/ La Découverte en 2007.

En savoir plus : www.previeux.net

Conférence Annie Suquet

Conférence « La nudité en scène », par Annie Suquet

Dans le cadre du Cycle de conférence danse contemporaine, Panorama en six vues

Plus qu’habituelle sur les scènes chorégraphiques contemporaines, la nudité est loin d’être une préoccupation récente dans le champ de la danse. Donner à voir son corps en mouvement nu, ou même seulement partiellement dénudé, n’a cependant jamais été anodin. Tantôt positivement connotée, tantôt perçue comme dangereuse, la nudité du corps dansant se prête à toutes sortes de projections fantasmatiques, de constructions idéologiques… Dans cette conférence, nous explorons quelques-uns des imaginaires très différents qui ont porté cette préoccupation, du début du XXe siècle aux années 1960.

Historienne de la danse, Annie Suquet est notamment l’auteur de L’éveil des modernités : une histoire culturelle de la danse (1870-1945) (éditions du Centre national de la danse, 2012) ; Le
corps dansant : un laboratoire de la perception, in Histoire du corps, tome III (éditions du Seuil, 2006) et Merce Cunningham, chorégraphier pour la caméra. Conversation avec Annie Suquet et Jean Pomarès (éditions de l’Oeil d’or, 2013).

Conférence Mathieu Copeland

« Subvertir l’exposition »

Mathieu Copeland (né en 1977, vit à Londres) cultive une pratique curatoriale cherchant à subvertir le rôle traditionnel des expositions et à en renouveler nos perceptions. Il a notamment été co-commissaire de l’exposition «Vides, une rétrospective » au Centre Pompidou à Paris en 2009 et à la Kunsthalle de Berne et a récemment édité « The Anti Museum », co-publié par Koenig Books en 2017.

Il a été commissaire invité du Musée du Jeu de Paume, Paris (2013-2014) et, avec Philippe Decrauzat, commissaire invité du Plateau – FRAC Ile-de-France Paris (2014-2015).

Il exposera ses méthodes de travail au travers de ses expositions.

Conférence Didier et Eric Champion, Joëlle Vellet

Dans le cadre du cycle de conférences Danse contemporaine / Panorama en six vues

Didier Champion et Eric Champion sont danseurs, musiciens, collecteurs, et pédagogues. Ils sont créateurs du Gamounet -les maisons des cultures de pays- à Saint-Bonnet près Riom, et de la dynamique actuelle de ce lieu de danses et musiques traditionnelles, aujourd’hui devenu le Centre Départemental des Musiques et Danses Traditionnelles Puy de Dôme (CDMDT63). Les frères Champion transmettent la bourrée, l’ont collectée et ont participé aux réflexions menées dans le milieu des danses traditionnelles en France depuis longtemps.

Joëlle Vellet est danseuse, chercheure, pédagogue. Elle est Maître de conférences en danse à l’Université Côte d’Azur, au département des Arts/section Danse, à Nice. Ses recherches sur les processus de transmission du geste en danse contemporaine, l’ont toutefois amenée à s’intéresser à la transmission actuelle de gestes de la tradition et tout particulièrement de la bourrée d’Auvergne : ce que le temps fait à la danse, ce que l’artiste fait à cette danse dite traditionnelle.

Leur rencontre à tous les trois et les différentes étapes d’observation, d’analyse, de partage et de collaboration, menées depuis plus de dix ans, leur permettent à présent de proposer d’aborder ensemble «la bourrée comme une histoire de passages, entre permanence et variation, entre altération et invention». Ils se proposent dans cette conférence de vous faire découvrir la bourrée et ses danseurs, et d’éclairer singulièrement les pratiques de cette danse d’aujourd’hui, inscrite dans le temps.

Conférence Sandra Iché

Dans le cadre du cycle de conférences Danse contemporaine / panorama en six vues 

«J’essaierai de montrer, à partir de Droite-Gauche, pièce dite de «théâtre documentaire» tout juste terminée (création à Théâtre de la Joliette, Marseille, 2 février 2018), comment le travail scénique que j’entreprends est chaque fois une tentative d’examiner à la fois les conditions historiques d’existence dans lesquelles nous sommes pris et les possibilités d’irruption d’un changement, d’un virage, d’un événement. Ce que nous tentons d’examiner plus précisément dans Droite-Gauche, ce sont les ressorts généalogiques, biographiques, sociaux de nos trajectoires politiques. J’essaierai de dégager les principes ou intuitions chorégraphiques qui président à l’écriture et au montage des corps, des textes, des images et des sons présents sur scène.»

Les projets qu’entreprend Sandra Iché s’intéressent aux perspectives historiques dans lesquelles s’inscrivent notre présent et les représentations que nous en avons, les dynamiques géographiques, temporelles, sociales, conceptuelles, qui les dessinent. En associant des «énoncés scientifiques» élaborés avec des collaborateurs historiens, sociologues, philosophes, et des «énoncés d’expériences» élaborés par chacune des personnes impliquées ou convoquées dans les projets, il s’agit de documenter par différentes «méthodes» les infimes mouvements de nos choix, de nos mémoires, de nos gestes, sans les arrêter, sans les fixer. Manière chaque fois de ruser contre les procédés morbides de naturalisation du réel.

Sandra Iché mène ses activités artistiques à travers l’association Wagons libres, questionnant les modalités de «fabrication» de l’Histoire, de sa mise en récit (Wagons libres (spectacle vivant), création 2012 ; Variations orientalistes (spectacle vivant, co-écrit avec Renaud Golo, Mary Chebbah, Vincent Weber, Pascale Schaer), création 2014 ; Ellipses : entretien avec Omar Amiralay (installation vidéo), création 2016 ; Droite-Gauche (spectacle vivant), création 2018). Elle a été danseuse-interprète pour les chorégraphes Maguy Marin et Rémy Héritier principalement. En 2013, elle est lauréate du programme « Hors les murs» de l’Institut français pour mener un projet de laboratoire théâtral intitulé Vestiges et présages, en collaboration avec le collectif Zoukak (Beyrouth, Liban). Sandra Iché a reçu le prix du Nouveau Talent Chorégraphie 2016 de la SACD. Elle vit entre Beyrouth, où elle co-fonde Mansion, maison collective d’artistes, chercheurs, activistes, et Lyon, où elle est membre fondatrice de LIEUES, espace expérimental de recherche et de création artistique et de rodéo, revue pluridisciplinaire, plateforme de rencontres entre pratiques académiques et artistiques. Depuis février 2018, elle est résidente dans le Pôle Art et Recherche de l’IMERA à Marseille.

Conférence Daniele Balit

Daniele Balit présente son travail de commissaire d’exposition spécialisé sur la question des arts sonores. La conférence abordera la question de l’œuvre sonore in situ et de comment présenter des pièces qui ne se destinent pas à l’espace d’exposition, en revenant notamment sur des projets comme Birdcage ou l’exposition Max Feed consacrée à l’œuvre et l’héritage de Max Neuhaus.

Daniele Balit est historien de l’art, théoricien et commissaire d’exposition. Il enseigne à l’Institut supérieur des beaux-arts de Besançon et est chargé de cours à l’université Paris 8, où il est chercheur associé du laboratoire TEAMeD. Il est membre fondateur de la plateforme curatoriale 1:1projects à Rome, du collectif OuUnPo, et initiateur de Birdcage, galerie temporaire et itinérante autour des pratiques sonores. Ses projets curatoriaux récents incluent Red Swan Hotel (Rome, MACRO, 2015), Wetlands Hero (Chatou, Cneai, 2015) et les expositions Max Feed et Mix-Feed, auxquelles cette édition est consacrée. Il coédite l’anthologie Les pianos ne poussent pas sur les arbres – Écrits et entretiens de Max Neuhaus, Les presses du réel, 2018.

Conférence Noé Soulier

« Faire corps »

Dans le cadre du cycle de conférences Danse contemporaine/Panorama en six vues

 

«J’essaierai de développer la réflexion présente dans Actions, mouvements et gestes – publié en à l’automne 2016 aux Éditions du CND – en analysant la manière dont les mouvements sont définis dans différentes pratiques chorégraphiques et les expériences qu’elles créent. Une fois rendue explicites, ces modes de définitions peuvent être utilisés comme des focales d’attentions – des manières de prêter attention au mouvement – et permettre ainsi une expérience enrichie et plus active.»

Le travail de Noé Soulier interroge le geste comme un nœud où se trouvent réunis des champs que l’on a souvent tendance à séparer : la pensée, l’expérience et l’action. Dans le solo Mouvement sur Mouvement (2013), il introduit un décalage entre le discours et les gestes afin de questionner la manière dont ils collaborent à l’élaboration du sens. Dans Removing (2015) et Faits et gestes (2016), il explore la capacité qu’on les gestes à suggérer d’autres mouvements. Il a créé en septembre 2017 Performing Art, une exposition chorégraphiée pour le Centre Pompidou, et Second Quartet pour la compagnie LA Dance Project.

Né à Paris en 1987, Noé Soulier a étudié au CNSM de Paris, à l’École Nationale de Ballet du Canada, et à PARTS – Bruxelles. Il a obtenu un master en philosophie à l’Université de la Sorbonne (Paris IV) et participé au programme de résidence du Palais de Tokyo : Le Pavillon. En 2010, il est lauréat du premier prix du concours Danse Élargie, organisé par le Théâtre de la Ville et le Musée de la Danse avec Petites perceptions. Il a créé Corps de ballet avec le CCN – Ballet de Lorraine en 2014.