POINT FILMS 1 à 10 – Propositions de lectures et de films par l’ÉSACM, pendant le confinement

Des ressources réunies et sélectionnées par Alex Pou, enseignant en vidéo et cinéma, dans le cadre du programme Point Films.

Le programme Point Films propose depuis plusieurs années des projections régulières à la communauté de l’école. Avec le confinement, ces rendez-vous se transforment, se poursuivent, et se partagent avec le plus grand nombre.

Voici donc des suggestions « de films, de textes autour du cinéma, mais pas que… un peu comme un fleuve. »

POINT FILM 1 / Robert Kramer.

« Pour commencer, un petit texte « Être ou ne pas être dans le plan. Dérives autour du cinéma » de l’ami Robert Kramer, et un film qui prouve la beauté de la pauvreté, Berlin 10/90.  »
Berlin 10/90https://vimeo.com/118009239/0c1cde38ac
-« Être ou ne pas être dans le plan. Dérives autour du cinéma. »

POINT FILM 2 /  Michelangelo Antonioni

« Je vous propose un très beau texte du cinéaste Michelangelo Antonioni, « Faire un film, c’est vivre », écrit en 1975, mais qui ne perd rien de sa force. »
– « Faire un film, c’est vivre. »

POINT FILM 3 / Chantal Akerman

« Aujourd’hui, quelques nouvelles de Chantal Akerman, et particulièrement autour de son film qu’elle a tourné à New York en 1977, News from home. Il y a le film qui est aussi à écouter comme le son des vagues, ainsi qu’un petit entretien filmé de l’époque, et pour lire enfin, un entretien où elle parle de ses films en général. »
– News from home : https://vimeo.com/47911048

POINT FILM 4 / Blue, Apichatpong Weerasethakul

« Aujourd’hui, un très beau texte de Apichatpong Weerasethakul, artiste thaïlandais qui parle toujours du cinéma à sa façon. Je vous joins son film Blue, réalisé en 2018 et qui brûle aujourd’hui encore plus qu’hier. »
Bluehttp://derives.tv/blue/
– « Constellation »,  Weerasethakul

POINT FILM 5 / Claire Fontaine

« Un très beau texte de Claire Fontaine qui est tout à la fois le nom d’une célèbre marque de cahiers d’écolier et un hommage à Fontaine (1917) de Marcel Duchamp. C’est aussi un « artiste readymade », tel que le collectif composé de Fulvia Carnevale et de James Thornhill se définit, et qui joue avec les questions de style et de signature. Claire Fontaine « pousse au milieu des ruines de la fonction auteur, en expérimentant avec des protocoles de production collectifs, des détournements, et la mise en place de divers dispositifs pour le partage de la propriété intellectuelle et de la propriété privée ». »
– « Étrangers partout. » Claire Fontaine

POINT FILM 6 / Léos Carax

 » Qui connaît Mr Merde? Un film et un très bon entretien de Carax entre la Merde et les Saints Moteurs.  »
– « Il y a toujours un spectateur, quelque part là-haut, qui manque ». Léos Carax
Merdehttps://vimeo.com/5851763

POINT FILM 7 / Germaine Dulac

« Merveilleuse Germaine Dulac, pionnière du cinéma!!!
Voici un petit texte rare écrit en 1925 toujours aussi pertinent sur le pouvoir du cinéma à se libérer des vieux codes bourgeois de la théâtralité qui étranglent encore aujourd’hui nos systèmes de représentation narratives. Et comme cerise sur le gâteau, son film La coquille et le clergyman de 1926, film muet écrit à partir d’un scénario d’Antonin Artaud… »

– « Le Véritable esprit du septième art », Germaine Dulac
La coquille et le clergyman https://www.youtube.com/watch?v=uQcpwGGchn0

POINT FILM 8 / Virgil Vernier

« Un entretien filmé où Virgil parle du film, et un entretien retranscrit où il parle de son cinéma en général, de sa façon d’écrire des films, de son rapport à la musique et où il parle aussi d’un film qu’il a fait juste avant Mercuriales, Andorre qui est un très beau film en 16 mm sur notre monde contemporain qu’il filme comme s’il était un extra-terrestre, et que vous pouvez voir ici. »

– « L’archaïque qui arrive », Virgil Vernier
Andorre, 20 min, 2013 : https://www.youtube.com/watch?v=032Za9QJbpI
– Table rase (entretien) : https://www.youtube.com/watch?v=xII02RV-fy4

POINT FILM 9 /  Marguerite Duras

« Aujourd’hui, on entend le cri désespérant d’amour que lance Marguerite Duras au monde encore presque vivant et juste avant qu’il n’aille à sa perte. Voici donc, le film « Les mains négatives  » (1978) enfin en bonne copie sur le net, le texte de la voix et un autre texte magnifique. »
-Les mains négatives : https://www.youtube.com/watch?v=v2WOddro8Xc&feature=youtu.be&fbclid=IwAR0mzFOeKTEWYmdnh3jWcEqtPLabDQ3rVFg7qKeob-yz5VmXGh7aKhGxK6s
« Que le monde aille à sa perte », Marguerite Duras
« Les mains négatives », Marguerite Duras

POINT FILM 10 /  Arnaud des Pallières

«Certains d’entre vous l’ont déjà vu, mais certains autres diront que ce n’est pas une raison pour ne pas le revoir. D’autant plus que Disneyland, mon vieux pays natal est accompagné aujourd’hui d’une discussion rare éditée à l’époque du film (2001) par le premier numéro de la superbe revue Trouble, où Arnaud des Pallières dit beaucoup de choses qu’il ne dira plus jamais ensuite… »
Disneyland, mon vieux pays natalhttps://www.youtube.com/watch?v=76U5DTEwltk
« Mon vieux pays natal », Entretien entre Arnaud des Pallières et Claire Jaquet

 

Image : Blue, Apichatpong Weerasethakul

 

ALUMNI / Portrait diplômée / Diane Cornu, horticultrice papier

Diplômée du DNA en 2012 à l’ÉSACM, Diane Cornu a monté son entreprise et développé une technique unique et personnelle, celle de l’horticulture papier.

À l’atelier © Vanessa Madec

Pouvez-vous nous en dire un peu plus sur votre technique ?

L’horticulture papier est née de la rencontre entre une matière, le papier, une technique ancienne et un regard sur la nature.

Une partie de mon travail repose sur le détournement de techniques utilisées chez les paruriers floraux,  un métier de la haute-couture développé en France de la fin du XVIIIème au début du XXème siècle et aujourd’hui en voie de disparition. Il s’agit d’imiter la nature grâce à des outils comme les emporte-pièces, les bouliers ou encore les gaufriers. J’attache une importance toute particulière à la conservation de cette discipline.

Inspirée par des techniques et un savoir-faire artisanal, mais m’inscrivant dans une démarche contemporaine et artistique,  je n’ai jamais vraiment trouvé ma place ni dans l’art, ni dans le design, ni dans l’artisanat. C’est sans doute pour ça que j’ai inventé ma discipline, ainsi que le nom de mon métier. Je me suis donc définie comme horticultrice papier.

Avez-vous entamé cette pratique dès vos années à l’ÉSACM ?

J’ai entamé cette pratique en cours de quatrième année à l’ÉSACM, je venais d’avoir mon diplôme de DNAP (aujourd’hui appelé DNA, N.D.L.R.). À l’époque j’avais une démarche artistique orientée vers le Land Art. Je m’intéressais aux processus de création dans la nature, aux formes fractales, au nombre d’or, à tout ce qui pouvait matérialiser ou expliquer la complexité et la beauté du monde végétal. Mes artistes de référence étaient alors Giuseppe Penone, Herman de Vries ou encore Andy Goldsworthy.

Je suivais les cours d’impression et d’édition de Cécile Monteiro-Braz. Cette artiste et enseignante a influencé ma façon de créer mais aussi de montrer mon travail. Avec elle j’ai découvert le souci du détail, l’importance du contexte de monstration, mais surtout j’ai appris à apprécier le papier comme une matière, et non plus comme un simple support. J’ai alors décidé de réaliser un stage chez Jean Michel Letellier et Miki Nakamura, deux artistes qui m’ont appris à fabriquer le papier avec les techniques traditionnelles et japonaises.

L’école m’a permis de comprendre que je pouvais créer et détourner des techniques à ma façon. J’ai trouvé comment donner du sens à mon travail, qui peut paraître au premier abord simplement visuel ou décoratif, pour y insuffler l’histoire que je veux lui faire raconter.

Pouvez-vous nous raconter votre parcours à la sortie de l’école ?

J’ai quitté l’ÉSACM en cours de quatrième année. J’avais du mal à définir ma pratique qui s’apparentait alors plus à de l’artisanat. Je créais des objets pour un usage précis, en convoquant des savoir-faire. J’avais l’impression d’être en porte-à-faux avec les principes esthétiques d’une école d’art.

J’ai alors cherché à suivre une formation de parurier floral afin d’améliorer ma technique. Mon profil a tout de suite retenu l’attention d’une des deux dernières grandes maisons françaises spécialisées dans la confection de fleurs en tissu pour la haute-couture. J’ai donc passé des essais en atelier pour être « petite main », un travail répétitif qui consistait à découper, former et assembler des pétales toute la journée. Il s’agissait plus de faire que de créer. C’est à ce moment que j’ai pris conscience que je ne pouvais pas me défaire de l’intention. J’ai donc monté mon entreprise très rapidement, ce qui a marqué le début d’une longue aventure sinueuse et enrichissante.

Dans un premier temps j’ai d’abord développé un marché autour du mariage. Mes créations étaient alors essentiellement des accessoires cheveux ou bouquets. Ensuite j’ai décidé d’élargir ma cible en proposant mes créations aux particuliers. J’ai rapidement eu envie de renouer avec mon passé en créant des pièces beaucoup plus volumineuses, investir l’espace. Je me suis donc mise à travailler pour des professionnels en créant des scénographies pour des shooting ou des décorations de vitrine de magasin de luxe. Mes partenaires, interlocuteurs, commanditaires, sont des personnes qui aiment avant tout la nature, la poésie et le savoir-faire.

À quoi ressemble votre quotidien ?

Je n’ai pas vraiment de journée type. Depuis que je suis à Toulouse je cumule mon travail d’horticultrice papier avec un travail alimentaire de serveuse. Mon quotidien depuis deux ans a été uniquement rythmé par ces deux emplois, une charge de travail très prenante et chronophage, mais qui me permet aujourd’hui d’envisager atteindre mon objectif premier, pouvoir vivre de ma passion.

Certaines journées je fabrique, d’autres je communique sur mon travail,  je monte des dossiers de subvention, je participe à des shooting, j’imagine de nouveaux modèles, je suis sur des salons pour promouvoir mon travail, je me transforme en comptable ou je suis en soirée pour agrandir mon carnet d’adresse. Parfois c’est la page blanche, parfois je reçois des futurs mariés ou encore je réponds à une interview pour mon ancienne école d’art. Bref vous l’aurez compris les journées se suivent et ne se ressemblent pas.

Un projet en particulier ?

J’ai eu la chance de travailler avec l’Atelier Swan, un duo de créatrices de robe de mariée, à la conception d’une scénographie pour le shooting de leur collection 2020. Un projet grandiose, 13 000 pétales assemblés et suspendus sur presque 1 demi kilomètre de file pour former un couloir de pétales. Et surtout une vingtaine de bénévole prêt à m’aider pendant deux mois pour que cette idée folle prenne forme, une véritable expérience humaine. Plus qu’un simple objet à contempler, l’idée était de modifier les échelles afin que le spectateur vive une véritable expérience sensorielle. Ce projet à vraiment marqué un tournant dans mon travail et ma carrière.

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CONFÉRENCE / « Black to Détroit, un portrait géographique de la techno », par Alia Benabdellah

Le groupe de recherche Léviathan invite Alia Benabdellah :

La musique techno est née dans la communauté noire de Détroit aux États-Unis, au début des années 1980, d’une fusion entre le funk et les musiques électroniques européennes. Cette conférence s’intéresse à la ville de Détroit, à la communauté noire américaine de la plus grande ville noire des États-Unis et à ce style de musique électronique qui a rapidement obtenu une audience mondiale au point d’influencer de nombreuses musiques populaires contemporaines. Pourtant dans l’imaginaire collectif, la techno est peu associée à la communauté noire américaine. Parce qu’elle n’utilise que peu de codes classiquement à l’œuvre dans les musiques noires américaines et que la maîtrise des technologies est généralement perçue comme l’affaire de la communauté blanche occidentale, la techno semble être dans l’imaginaire collectif une musique plus blanche que noire. Est-ce pour cela que les amateurs situent son origine à Berlin plutôt qu’à Détroit ? Que signifie, au fond, cette méprise ? Nous reviendrons donc à Détroit, aux sources de la techno, pour comprendre ces contradictions, montrer la manière dont la techno est attachée à la ville et voir comment matière musicale et matière urbaine interagissent dans cette ville, marquée par le déclin économique et la ségrégation raciale sans que sa force créative ne semble céder.

Alia Benabdellah est titulaire d’un master de communication culturelle, et spécialiste de l’étude des musiques noires américaines. Doctorante en géographie humaine à l’université Bordeaux Montaigne sous la direction d’Yves Raibaud, elle travaille sur les racines noires de la techno de Détroit. Elle est intervenue dans plusieurs conférences aux États-Unis, au Canada et en France, et s’est rendue à de nombreuses reprises à Détroit où elle a entrepris un long travail de terrain, notamment grâce à une bourse Fulbright. Alia a contribué à plusieurs publications scientifiques et médiatiques comme le catalogue de la Biennale du Design de St Étienne, et celui de l’exposition Night Fever au musée Vitra. Entre matières sonores et matières urbaines, Alia nous invite dans un voyage musical où nous rendons visite aux racines de la musique techno.

ALUMNI / Portrait diplômé / Mathieu Sellier, régisseur à la Galerie Perrotin, Paris

Diplômé du DNSEP en 2006 à l’ÉSACM, Mathieu Sellier avait cultivé pendant son parcours une grande diversité de pratiques et de techniques. Après un passage chez le galeriste Yvon Lambert, il officie en régie d’œuvres à la galerie Perrotin, une galerie parisienne au rayonnement international.

En quoi consiste ton activité ?

Je suis Régisseur Sénior à la galerie Perrotin depuis 5 ans. Ce qui veut dire que je m’occupe de l’accrochage des œuvres, de leur restauration, de la gestion des stocks, et mille et une autres activités techniques liées à une structure de cette envergure.
Je travaille avec tout type d’œuvres, des peintures, des sculptures, des installations, des vidéos…

Cette galerie a plusieurs antennes, notamment aux États-Unis et en Asie. Mes activités se concentrent surtout à Paris, où je me déplace chez les collectionneurs qui ont acheté des œuvres à la galerie, pour assurer leur transport et leur installation. On expose aussi dans différentes foires européennes, à Genêve, Bâle, etc. Donc en fait mon quotidien s’articule entre les retours des œuvres qui étaient exposées, les préparations des prochaines expositions, des foires, les installations chez les acheteurs…

Avant ça j’avais passé 3 ans en tant que régisseur à la galerie Yvon Lambert à Paris, jusqu’à sa fermeture en 2014.

Est-ce que les questions liées à la régie d’œuvres avaient déjà traversé ton parcours à l’école ?

Pas du tout, c’est venu totalement après. À l’école, mon objectif était d’être riche de la plus grande diversité de techniques possibles, pour être justement libéré de toute considération technique pour réaliser ce que j’avais en tête. Pendant tout le cursus et jusqu’au diplôme, j’ai utilisé dans mon travail à la fois la photo, la vidéo, la sculpture, la peinture, l’installation… J’ai essayé d’être assez autodidacte. L’école met à disposition une très large palette d’outils et d’équipements techniques, j’ai essayé de m’en emparer et d’expérimenter.

Avant le diplôme, je n’avais pas du tout pensé à l’après-école, ou anticipé le fait de travailler en tant que régisseur.  Très rapidement ma priorité a été d’être indépendant financièrement, et je savais qu’être artiste n’était pas ce qui le permettait le plus facilement. À la sortie de l’école, une de mes enseignantes en culture générale m’a recommandé pour un poste d’assistant d’artiste à Paris. C’est aussi en ça que le relationnel est très important. J’ai fait ça pendant un an, puis je suis devenu régisseur indépendant. J’ai retravaillé avec l’école d’art, qui avait depuis mis en place un calendrier d’expositions assez dense, pour lesquelles j’assurais la régie.

Parviens-tu à réserver encore un peu d’espace à ta pratique d’artiste ?

Pas vraiment, ou très peu. Il m’arrive de refaire du dessin, de la décoration d’intérieur ou un peu de design. Mais je ne suis pas malheureux de ne pas avoir de pratique. Je travaille dans une galerie très active, je passe mes journées au milieu des œuvres. C’est un métier où l’on est très sollicité, en terme d’investissement et de temps, et aussi physiquement. Mais il permet d’avoir un rapport différent aux œuvres, de les toucher, et d’une certaine manière de se les approprier.

ÉVÈNEMENT / Retour en images sur les Journées portes ouvertes de l’ÉSACM

En 2020, l’ÉSACM fait appel à un duo d’artistes pour inventer de nouvelles formes d’accueil pour ses journées portes ouvertes.
Pendant ces deux jours, Marie L’Hours et Tom Castinel ont pensé une joyeuse série de propositions et d’évènements artistiques, comme une expérience immersive dans l’effervescence vitaminée d’une l’école d’art. Une exposition collective, une kermesse, des installations, des projections, des performances, mais aussi des visites d’ateliers

Étudier à l’ÉSACM, c’est faire l’expérience de la vie artistique et culturelle du territoire

Choisir une école, c’est aussi choisir un territoire et un environnement où l’on projette sa vie d’étudiant. Afin de permettre aux futurs étudiants de prendre le pouls de la vie artistique et culturelle clermontoise, une cartographie élaborée à l’école et avec les étudiants actuels, présentera les lieux institutionnels, associatifs, et alternatifs, qui forment la consistance de l’écosystème auquel appartient l’ÉSACM.

Ainsi le vendredi soir, la Coopérative de mai, salle de concert de musiques actuelles emblématique de Clermont-Ferrand, a proposé un showcase de RROBIN à 18h30 dans l’atelier volume de l’ÉSACM.

Le samedi soir, la soirée « Michou-Michien » a été proposée : première partie à 18h, avec une soirée « Kbarré » dans l’atelier volume de l’ÉSACM, et poursuite à partir de 20h30 à somme toute (rue Néron) pour la soirée « L’effet Bernoulli / Night »

 

 

CONFÉRENCE / « Figures / visages / portraits. Pour une éthique du regard » par Isis von Plato, philosophe

Conférence Figures / visages / portraits. Pour une éthique du regard

Isis von Plato, philosophe

Entre le contrôle des visages qu’implique les systèmes de reconnaissance faciale expérimentés de plus en plus en France à l’heure actuelle et l’absence du visage dans de nombreux rapports sociaux et économiques, des questions éthiques et esthétiques se posent : qu’est-ce qu’un visage dit de la personne qui le porte ? Qu’est-ce qu’il engage dans la relation à l’autre ? Cette réflexion est étayée par l’histoire du portrait, à la fois en peinture et en photographie.

Philosophe franco-allemande vivant à Arles, ayant soutenu une thèse de doctorat en philosophie à l’université Paris 1 Panthéon Sorbonne sur « Autonomie et réciprocité. Friedrich Schiller et l’éducation esthétique à l’époque des Lumières » sous la direction de Danièle Cohn, Isis von Plato est expérimentée d’une pensée à la croisée des arts, notamment arts plastiques et littérature. Active en tant que traductrice, elle vient de traduire John Berger, Portraits, une anthologie de textes à propos dartistes de lantiquité à nos jours (à paraître au printemps 2020 aux éditions de l’Ecarquillé) et Helmuth Plessner, De lanthropologie de lacteur (pour la HEAD de Genève, à paraître en 2020).

Image : Portrait de femme, Deuxième moitié du IIe siècle après J.-C. Bois de tilleul (Tilia sp., Tiliaceae), liant à base de cire. H. : 31 cm ; L. en bas : 18,8 cm ; L. en haut : 20 cm ; Ep. : 0,1-0,2 cm. Provenant peut-être de Thèbes. Paris, Musée du Louvre, N 2733.3© 2007 Musée du Louvre / Georges Poncet

ALUMNI / Exposition Éclats #1 Constellation provisoire – Creux de l’Enfer (Thiers)

Du 21 février au 26 avril 2020
Vernissage jeudi 20 février à 19h

L’exposition collective Éclats propose de mettre en valeur le travail de jeunes diplômé.e.s des écoles supérieures d’art de Bourges, Clermont-Ferrand, et Lyon. Plusieurs temps de travail leur ont donné l’occasion de travailler à des pièces, produites spécifiquement pour l’exposition. Une proposition qui s’inscrit dans le prolongement de l’expérience des Enfants du Sabbat. Cette exposition présente des œuvres individuelles ou réalisées en collaboration, qui se déploient sur deux sites : le Creux de l’enfer et l’Usine du May.

Artistes : Emma Baffet* · Chlöé Bedet* · Romain Blanck . Camille Bouaud · Clément Dupont* · Joëlle Forestier . Lény Labeaume* · Amy Matthews · Etienne Mauroy .Stanca Soare · Amélie Sounalet* · Victor Villafagne

* diplômé.e.s de l’ÉSACM

RECHERCHE / Le groupe EDITIONPASSION au Festival International de la Bande Dessinée d’Angoulême

Du 31 janvier au 2 février 2020, six étudiant.e.s du groupe EDITIONPASSION se sont rendu.e.s au Festival International de la Bande Dessinée d’Angoulême, accompagné.e.s des chercheuses Carin Klonowski et Léticia Chanliau.
EDITIONPASSION est un satellite consacré à la micro-édition.
Ce déplacement a été l’occasion de visiter à la fois le festival officiel et les événements off et alternatifs, permettant une vue d’ensemble des différents circuits et réseaux de l’édition. Une publication du groupe fera suite à cette expérience.

ALUMNI / Portrait diplômée / Marie-Camille Dodat, bricoleuse d’objets, étalagiste, directrice artistique

Marie-Camille Dodat, diplômée du DNSEP en 2015 à l’ÉSACM, imagine et prépare dans son atelier clermontois les vitrines des  32 boutiques de la marque Tartine et Chocolat à travers le monde.

Marie-Camille Dodat, bricoleuse d’objets, étalagiste, directrice artistique.

Comment s’est passé l’après-diplôme ?

Pendant les 4e et la 5e années à l’école, je me suis beaucoup intéressée au design. Pour participer au financement de mes études, je concevais des vitrines pour quelques boutiques clermontoises. Quand j’ai eu mon diplôme, j’ai eu envie de travailler pour une grosse entreprise, en tant que directrice artistique. J’ai cherché un stage à Paris, et j’ai été engagée comme assistante identité visuelle et coordination des vitrines pour la marque Tartine et Chocolat. Ce qui veut tout et rien dire. J’étais devant un ordinateur toute la journée à gérer les stocks, le matériel, réfléchir aux aspects techniques. Mais ce qui m’intéressait c’était de créer, et j’étais exaspérée de voir tout l’argent dépensé dans certains dispositifs alors que j’étais persuadée de pouvoir trouver des solutions poétiques et bien plus économiques ! Alors à la suite du stage, je me suis mise à mon compte. Depuis, en tant que directrice artistique, je crée les décors de 32 vitrines par mois, pour 15 boutiques Tartine et Chocolat en France, en Europe, et dans le monde.

Vue d’atelier.

 

Quelle place pour une créatrice dans le monde de l’entreprise ?

On représente une vraie valeur ajoutée. On arrive avec un regard différent, personnel, et on a un certain sens de la débrouillardise. On développe des compétences manuelles, un sens esthétique, une sensibilité à la couleur, aux matériaux, aux textures, et en ça, on y a vraiment notre place. Je travaille aussi pour d’autres types de commanditaires, pour une marque de lingerie, et depuis décembre 2019 pour la compagnie Air France. J’ai réalisé un décor pour l’espace international des salons Air France. C’était un travail qui touchait presque à l’architecture d’intérieur, et qui me demandait de composer avec un cahier des charges très différent, très normé. Et là aussi, c’est tout un autre monde, dans lequel on a aussi besoin de gens comme nous. J’étais surprise qu’ils soient séduits par un petit décor, léger et délicat comme je le pratique, et qu’ils s’y identifient. Ma proposition était en place pendant tout le mois de décembre, et on envisage de nouvelles collaborations.

 

La céramique, une pratique découverte à l’école et toujours développée depuis.

En quoi ton activité s’inscrit-elle dans une cohérence avec ton parcours à l’école d’art ?

Dans les écoles supérieures d’art, on apprend à être autodidacte, et à ne rien s’interdire. Si on veut créer une table, couler du goudron, on apprendra en expérimentant. Ce qui fait de nous des touche-à-tout. Quand je me suis installée comme créatrice indépendante, je me suis rendue compte que, seule, je pouvais faire une photo calibrée, j’étais capable de tailler un morceau de bois, de monter du placo, bref, j’étais un vrai couteau suisse, avec une culture du tout-terrain. Et ce travail là, je l’ai composé.

Des vitrines toujours conçues avec un an d’avance.

À quoi ressemble ton activité quotidienne ?

Mon quotidien s’organise entre Clermont et Paris. La majorité du temps, je travaille dans mon atelier, en centre-ville, à Clermont. Et deux fois par mois je vais trois ou quatre jours à Paris. L’équipe me présente les vêtements conçus par les stylistes, je propose une planche de tendances, des prototypes, et si ils sont validés, je rentre à Clermont et me lance dans la production. Une fois que les 32 décors sont prêts, on les emballe, on rédige un cahier technique et des consignes de montage, et les colis partent dans différentes boutiques à travers le monde. Tous les décors des boutiques France et monde de Tartine et Chocolat naissent dans mon atelier, à Clermont-Ferrand.

https://www.instagram.com/mariecamilledodat/